CINEMA: I film visti da Franco Pecori

[Franco Pecori dal 1969 ha esercitato la critica cinematografica – per Filmcritica, Bianco & Nero, La Rivista del Cinematografo e per il Paese Sera. È autore, tra l’altro, di due monografie, Federico Fellini e Vittorio De Sica (La Nuova Italia, 1974 e 1980). Nel 1975, ha presentato alla Mostra di Venezia la Personale di Jean-Marie Straub e Danièle Huillet; e alla Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro, con Maurizio Grande, una ricerca su Neorealismo: istituzioni e procedimenti (cfr. Lino Miccichè, Il Neorealismo cinematografico italiano, Marsilio). Dal 2002, ha tenuto per 4 anni, sul Televideo Rai, la rubrica settimanale Film visti da Franco Pecori. Noto anche come poeta, Pecori può vantare la stima di Franco Fortini]

I più grandi di tutti

I più grandi di tutti
Carlo Virzì, 2011
Fotografia Ferran Paredes Rubio
Claudia Pandolfi, Alessandro Roja, Marco Cocci, Corrado Fortuna, Dari Cappanera, Claudia Potenza, Frankie Hi Nrg, Francesco Villa, Niccolò Belloni, Catherine Spaak.
Torino 2011, concorso.

Il rock, simbolo di vivacità, di non conformismo, di alternativa, di novità. La storia va avanti almeno da Bill Haley (1955), ma progressivamente le radici, la musica afroamericana, il blues, il country, si sono attenuate e perse, il suono ha fatto largo alla “immagine” cioè all’apparenza e alla con-formazione. Sicché la proposta di vita, implicita nella prima “rivoluzione”, s’è trasformata in “vita di proposta”, il “suono” ha sostituito la musica, l’ideologia il feeling. Conformismi e illusioni si sono uniti in matrimonio fino a produrre anche disastri umani, non solo artistici e non solo individuali. La scia è lunghissima e arriva fino ai giorni nostri – si potrebbe andare anche oltre il rock e parlare di altra musica di consumo, Sanremo compreso, ma restiamo al film. Tra i molti possibili esempi, anche grandi nel loro genere, Carlo Virzì (L’estate del mio primo bacio 2006) ne sceglie uno minimo ma – diciamo – vicino a casa. E mette in scena la storia, più o meno vera e trasformata in commedia spiritosa, di un piccolo gruppo di provincia degli anni ’90. Nato nel 1993 a Rosignano Solvay, cittadina industriale del livornese (ah Liverpool, ah Manchester!), il gruppo “I Pluto” esaurì la sua parabola in sette anni, arrivando a produrre due album, “Paraculo” e “Sudo ma godo” e a suonare in apertura in alcuni concerti dei Litfiba. Quasi il nulla. Ma poi è venuto un nulla di più: dal circuito alternativo del rock al disadattamento quotidiano e privato in una catena esistenziale che tira in basso fino al polverizzarsi dei desideri e alla depressione. Carcasse del suono fasullo, a questo sono ridotte le esistenze degli ex componenti del gruppo quando il cinema, con Virzì, li incontra e li ripesca. Il regista si dilunga non poco in aggiustamenti situazionali e nel tratteggio introduttivo dei personaggi, il batterista Loris Vanni (Alessandro Roja) con moglie (Claudia Potenza) e figliolo (Niccolò Belloni), il cantante Maurilio “Mao” Fantini (Marco Cocci), la bassista Sabrina Cenci (Claudia Pandolfi, sempre brava) e il chitarrista Rino Falorni (Dario Kappa Cappanera). Poi s’inventa la figura chiave per interpretare il destino non solo de I Pluto ma di tutti coloro che di quel destino sono stati (e sono ancora?) portatori e responsabili: è il fan fanatico ed esclusivista, idolatra e deformatore della realtà. Si chiama Ludovico Reviglio (Corrado Fortuna), un incidente lo ha reso paraplegico e non sogna altro che di rimettere su un palco il suo gruppo rock preferito, I Pluto, che per lui sono sempre stati i più grandi di tutti. Ricco di famiglia, assecondato dalla madre consenziente (Catherine Spaak) e da un amico servizievole (Frankie Hi Nrg), Ludovico architetta un finto “ritorno” de I Pluto. Basterà per sanare il disastro di quel quartetto di sbalestrati che ancora nella crisi d’oggi mostrano disponibilità alla vita “pazza”? Qualche dubbio è legittimo, nonostante la gioia finale del bambino di Loris, al quale la finzione di Reviglio può sembrare meravigliosa verità. Suo padre suona in un concerto vero ed egli stesso sarà un batterista di successo! Ecco, non c’è da preoccuparsi?

Act of Valor

Act of Valor
Scott Waugh e Mike McCoy , 2012
Fotografia Shane Hurlbut
Effettivi della Marina Americana insieme agli attori: Roselyn Sanchez, Alex Veadov, Jason Cotle, Nestor Serrano.

Un riconoscimento al valore di uomini delle forze americane, superaddestrati, che combattono oggi nel mondo contro i nemici del loro paese. In particolare sono gli uomini Seal (Sea, Air & Land), forze speciali della Marina Usa. Le azioni che vediamo sono “interpretate” come in vere esercitazioni di guerra e ne risulta una sorta di “film d’azione verità”, realizzato senza effetti speciali, con armi e mezzi veri, secondo uno sguardo molto ravvicinato che ha costretto il direttore della fotografia a stare sul set protetto da una giacca antiproiettile. Gli stessi registi hanno potuto giovarsi della loro esperienza di ex stuntmen per apprezzare le difficoltà e i rischi dei protagonisti. Ma non solo di tecnica guerriera si tratta, Waugh e McCoy sono venuti a contatto con uomini aggressivi in battaglia e anche normali padri di famiglia, con le loro storie e con le loro vicende personali, tutti però accomunati da uno speciale senso di fratellanza, spinto fino al sacrificio della propria vita. E per i ruoli principali del film sono stati utilizzati militari veri. La squadra Seal di Act of Valor è guidata da due amici. Il tenente Rorke, il comandante, è un uomo colto, laureato, ha combattuto in Iraq. Sotto di lui opera Dave, sportivo, surfista, molto forte fisicamente. Gli altri sono il capo di seconda classe Van O, l’operatore di prima classe Ajay, il cecchino Weimy, il responsabile della comunicazione Ray, il “duro” Sonny, il ciclista di mountain bike Mikey, l’artificiere Michael, l’addestratore Duncan Smith. Non vogliono essere chiamati attori: «Abbiamo fatto – dicono – semplicemente quello che facciamo tutti i giorni ». Lo sviluppo dell’azione del film è semplice e passa quasi in sottordine rispetto alla valenza documentaria ed emozionale delle riprese “dal vero”. Un agente della Cia è stato rapito dai terroristi e va liberato. I Seal sono inviati per la missione speciale. Ma le cose si complicano, non sarà un semplice “recupero” e l’azione deve spostarsi in altre zone del mondo. Gli uomini delle forse speciali dovranno fare ricorso a tutte le loro risorse tecniche e umane. Non necessario e a tratti ideologicamente rischioso il commento didascalico, quando elenca: «Onore Libertà Giustizia Famiglia », o quando ammonisce: «Il singolo ramo si può spezzare, un fascio di rami no ».

Biancaneve

Mirror, Morror
Tarsem Singh, 2012
Fotografia Brandan Galvin
Julia Roberts, Lily Collins, Armie Hammer, Nathan Lane, Mare Winningham, Michael Lerner, Robert Emms, Sean Bean, Jordan Prentice, Mark Povinelli, Joe Gnoffo, Danny Woodburn, Sebastian Saraceno, Martin Klebba, Ronald Lee Clark.

C’era una volta Biancaneve disegnata a mano. Nel 1937 (in Italia nel ’38) fu il primo film d’animazione targato Walt Disney. Già allora le punte più “crudeli” della favola dei fratelli Grimm erano state tagliate o modificate – la regina non subiva la tortura mortale della danza sulle scarpe roventi, non offriva a Biancaneve la mela avvelenata bensì un pettine e una cintura e, quale prova dell’uccisione dell’odiata figliastra chiedeva al cacciatore incaricato del delitto non il fegato e i polmoni della fanciulla ma il suo cuore. Da allora il cinema non ha smesso di riprendere la tradizionale fiaba germanica, con risultati artistici per la verità mediocri e comunque non privi di svisature. Ora «è giunto il momento di cambiare il finale », avverte quest’ultima Biancaneve di Tarsem Singh (Immortals 2011), forte anche  della sua destrezza nell’uso della spada e soprattutto di un carattere molto più energico di quello delle omonime fanciulle che l’hanno preceduta. Quanto alle prestazioni nelle scene di combattimento, la soccorrono non solo gli esercizi in palestra ma le tecniche digitali che permettono di superare qualsiasi difficoltà e di tener testa perfino al Principe Alcott/Armie Hammer (Milk,  The Social Network, J. Edgar)  prima di abbandonarsi nelle sue braccia; e per il non facile rapporto con la Regina matrigna, le linee stesse del volto lasciano intendere che la principessina ha uno spirito tutt’altro che docile. Non riveliamo il finale, ma non sarà certo uno “zero a zero”.  Persi i mitici fondali del primo Disney dipinti con l’acquerello, tanto vale tener duro e realizzare – come dicono l’una all’altra le protagoniste – che «è importante capire quando si è stati sconfitti ». Parole non tenere, con le quali la Regina/Julia Roberts prima e la principessa guerriera Biancaneve/Lily Collins (Abduction – Riprenditi la tua vita) poi si fronteggiano nei due tempi di una partita che il leggero viraggio sul colore del film non è sufficiente a rendere meno aspra. Nel finale non manca certo l’inno all’amore, ma il “vissero felici e contenti” resta come sospeso a mezz’aria. Sarà una nostra impressione, saranno quei trampoli miracolosi (elettronici) che ingigantiscono a comando la statura dei Sette Nani, buoni ma anche loro un po’ aggressivi, sarà la bellezza/bravura della Roberts, che non riesce a farci odiare fino in fondo la sua cattiveria. Saranno i tempi che sono cambiati, ma se non fosse per il rispetto del marchio Grimm, la prestanza della giovincella già pronta per tutti i provini Tv e per tutti i concorsi di nuove ragazze del mondo non l’avrebbe vinta: ci sentiremmo più attratti dal dramma della bellezza che se ne va e non lascia alla Regina il tempo di godersi il giovanotto nudo e villoso che l’affascinante matrigna s’è visto capitare a corte. Cosa volete che sia il bosco digitale con la sua bestia/drago per noi che abbiamo visto la Matrice (X) dar luogo a viaggi verticali sui muri. Un fascino che può morire è il vero dramma, è la vera novità. Pretty Woman, dove sei?

Amore liquido

Amore liquido
Marco Luca Cattaneo, 2010
Fotografia Antonio Veracini
Stefano Fregni, Sara Sartini, Pina Randi, Simonetta Solder,  Martina Capannini, Pier Paolo Paganelli, Carlotta del Gratta, Matteo Menconi, Rossella Cardinale, Carlotta Bergamo, Ramona.

Parliamo del primo lungometraggio di Marco Luca Cattaneo, già bene accolto in diversi festival d’importanza internazionale, non solo per rispetto del coraggio di Distribuzione Indipendente – nuova realtà del cinema italiano volta a incentivare la crescita di spazi alternativi alle grandi multisale, distribuzione anche online on demand (ownair.it) – e non solo perché il film affronta il tema d’attualità, della pornodipendenza di molti frequentatori del web, tema di sicura rilevanza socioculturale. Siamo stati piuttosto attratti dalla  dignità stilistica del lavoro di Cattaneo. Lasciamo stare la “povertà” di mezzi (15000 euro, una videocamera HD e poco altro) con cui è stato realizzato il film, estetica e budget non sono due parametri omogenei e non si garantiscono a vicenda. Amore liquido non è certo, nemmeno sul piano artistico, un punto di arrivo, ma è l’opera di un esordiente e mostra notevoli possibilità. Il racconto è riassumibile in poche parole e già questo indica una certa preferenza del piano espressivo: il quarantenne Mario (Stefano Fregni, Altro mondo 2007) vive la monotonia del suo lavoro di operatore ecologico nei turni tra la notte e l’alba, nel caldo estivo di una Bologna semideserta. Il vuoto è anche dentro di sé, il mondo affettivo di Mario è ridotto al rapporto solitario con il computer, video porno e chat. A casa, la madre malata e la badante straniera. Nei dintorni, l’edicola dei giornali, i giardini pubblici e il bar, una prostituta trans e Agatha, la barista ragazza madre (Sara Sartini, L’educazione sentimentale di Eugénie 2005). Una vita triste e compressa, con un proprio, pericoloso equilibrio. Quando Agatha lo interrompe e l’amore “liquido” dovrebbe concretizzarsi, Mario viene assalito dall’ovvia e non per questo meno drammatica crisi. Il senso del film, la sua importanza, risiede nella fisicità dell’attore, bravo a esibirla come significante, nei movimenti lenti (falsa tranquillità), nello sguardo anestetico e difensivo verso i “pericoli” di una realtà desiderata e non voluta, pericoli “normali” che la regia compone senza simbolismi, senza dettagli artificiosi ma seguendo il flusso naturale dell’azione, in sequenze il cui svolgimento sembra usuale e invece attinge la propria consumata usualità proprio nella forte probabilità del consueto, dell’informazione che ne deriva. Una “miseria” informativa superabile solo con battute – che non ci sono – adatte al dibattito, al cineforum. Ma il cineforum no! L’estetica conta spesso sulla sottrazione. Vengono in mente, non su scala verticale e non per similitudine ma per analogia, autori come Dagur Kari (Noi Albinoi),  Bent Hamer (Il mondo di Horten), Aki  Kaurismäki (Miracolo a Le Havre).

Piccole bugie tra amici

Les petits mouchoirs
Guillaume Canet, 2010
Fotografia Christophe Offenstein
Franí§ois Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin, Laurent Lafitte, Valérie Benneton, Pascale Arbillot, Joël Dupuch, Anne Marivin, Louise Monot, Hocine Mérabet, Mathieu Chedid, Maxim Nucci, Néo Broca.
Roma 2010, fc.